LEE KWANG-KUK, DISCÍPULO DE HONG SANG-SOO
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La maravillosa 경주 (Gyeongju, 2014) del director chino-coreano Lu Zhang lleva el nombre y está situada en la ciudad coreana de Gyeongju, uno de los sitios que más monumentos y tumbas tiene en Corea. Haciendo de esta omnipresencia de la Historia el escenario de este drama personal, la ciudad y estos personajes se encuentran en un punto intermedio entre el pasado y el presente, la vida y la muerte, entre los vivos y los muertos: los visibles y los otros, cuya presencia es invisible pero palpable. El personaje principal es un profesor universitario radicado en China y casado con una mujer china que vuelve a Corea por el funeral de un amigo. En la ciudad de Gyeongju, donde dejó los últimos recuerdos de su vida en Corea, conoce a la dueña de una casa tradicional de té. La relación entre estos dos personajes toma muchas formas y dimensiones en las casi tres horas que dura la película. Interesantísima obra que recuerda por momentos a las atmósfera de las historias contadas por el director tailandés Apichatpong Weerasethakul.
소셜포비아 (Socialphobia, 2014), ópera prima del aún estudiante en la Academia Coreana de Cinematografía (KAFA) Hong Seok-jae, ganó el premio NETPAC. Una inteligente película que combina temas sociales con cine de género. Un thriller sobre el lado oscuro de las comunicaciones modernas hiperdigitalizadas y su papel en las relaciones interpersonales y cómo aún hoy, el más antiguo de los males de la comunicación, cambiando de vehículo pero no de forma, sigue más vivo que nunca: el rumor.
Luego de que un joven que está haciendo el servicio militar se suicide, una usuaria de internet anónima expone su muerte en modo de burla. Un grupo de estudiantes universitario deciden confrontarla y vengar el deshonor, yendo a su casa, mientras los hechos son filmados y transmitidos en vivo por internet.
En la trama de la historia hay algunas cuestiones que tienen particular sentido en la sociedad coreana. Los cibercafés son sitios online donde se comentan absolutamente todos los temas de actualidad y del que la mayoría de los usuarios de internet participa o, por lo menos, lee. Asimismo, Corea del Sur, al estar en guerra con el Norte, obliga a realizar el servicio militar durante 18 meses a todos los hombres con nacionalidad coreana entre los 18 y los 27 años. Este proceso implica un gran sentido de nacionalismo, honor y orgullo y funciona como ritual de comienzo de la adultez y reafirmación de la masculinidad.
Actuada por un consistente e impresionante grupo de jóvenes actores, Socialphobia es una de las pocas películas que lidia con un tema tan omnipresente en las sociedades modernas como es la hiperdigitalización y su rol en las relaciones interpersonales.
Por último, nos centraremos en Lee Kwang-kuk, quien trabajó muchos años como asistente del Maestro Hong Sang-soo. Su primer film 로맨스 조 (Romance Joe, 2011) ganó el premio del público en el Festival de Busán. Esta edición, volvió con 꿈보다 해몽 (A Matter of Interpretation, 2014), un guion sin respiro con estructura onírica que al igual que su obra anterior, tiene muchas lecturas posibles. Alegre y lúdica, es la historia de una actriz de teatro cansada de la decadencia de su carrera y, por extensión, de su vida. Tras abandonar abruptamente el teatro luego de que ningún espectador acuda al estreno de la obra que protagoniza, se sienta en una plaza a beber soju (licor coreano) vistiendo la ropa del personaje. Las escenas se continúan sin orden cronológico y la distinción entre los personajes de la obra de teatro y la vida de la protagonista no está clara. Asimismo, una serie de objetos vintage (un reloj despertador, un coche antiguo o cerillas) disparan una sensación nostálgica que permanece una vez finalizado el film y que le quitan la liviandad que harían de esta una película olvidable. Hacer comedias no es fácil pero hacer comedias que permanezcan en la memoria es un desafío aún mucho mayor.
Lee Kwang-kuk obtuvo el Premio Cinéfilo, otorgado por un jurado conformado por 70 estudiantes de cine de siete universidades coreanas. Decidimos salir a su encuentro, por ser ésta una de las cintas capitales del festival.
Has asistido al maestro Hong Sang-soo en cuatro películas, influencia que se nota pero que no opaca en absoluto tu auténtico talento.
Hong sang-soo es un excepcional director y trabajar con él me expuso a múltiples posibilidades de aprender y considero que fui positivamente influenciado por él. Quizá es natural que se transparente esa influencia en mis películas. Después de trabajar con él aprendí cómo escribir un guion y cómo ser espontáneo en el proceso de filmación y también cómo interactuar con los actores. A partir de ahora quiero desarrollar lo que he aprendido en esa experiencia. A su vez, aprendí a siempre estar en contacto con el amor por hacer cine, sin importar el éxito futuro, que no depende en absoluto de nosotros.
¿Qué tipo de películas te gustan?
Woody Allen y los hermanos Coen son mis favoritos. Lo que más me gusta de sus películas es su movimiento y ritmo, y las actuaciones de los actores. A su vez las tomas largas es lo que más llama mi atención. Además Woody Allen trata temas muy profundos pero sin ponerse pesado. Y esa liviandad me atrae mucho, así como el humor negro de los Coen.
Tú también estás tocando los grandes temas en tus filmes. Hablas mucho sobre el tiempo a través de elementos vintage que emanan un sentido de nostalgia, de tiempo perdido. También eres muy crítico con los personajes masculinos adultos en tu película, casi todos adolescentes muy tardíos. Y también el contrapunto con este niño agobiado, estresado y serio. Una inversión que funciona de una manera muy tierna y divertida pero que al pensarla es angustiante.
Básicamente no hubo una intención detrás de producir nostalgia pero sí me gustan mucho los objetos que tienen una historia, es por eso que elegí esos objetos (un coche antiguo, cerillas y un reloj alarma). Esta idea la tomé de Alicia en el espejo (Alice in Wonderland, Harry Harris, 1985) que lleva consigo siempre un reloj y la actriz principal (que a su vez interpreta a una actriz de teatro) cuando sale enfadada de la sala de teatro lleva un vestido también inspirado en Alicia. De hecho, algunos de los protagonistas son actores de teatro pero en la película no los vemos actuar. Pero esta barrera entre una performance y la vida cotidiana quise también mantenerla borrosa.
¿Cuál es tu método de trabajo? Desde el momento en el que comienzas a pensar en el guion hasta el último paso de hacer una película.
Cuando estoy escribiendo el guion quiero incluir la mayor cantidad de detalles posibles y hacerlo lo más minucioso que puedo. Una vez que la filmación comienza quiero improvisar y encontrar particularidades presentes en la escena e integrarlas a la película. Detalles imposibles de concebir previamente. Así que en resumen una vez que comienzo la película me desapego del guión.
En la película utilizas muchas escenas largas. El trabajo de los actores es remarcable y se dilucida una fluida comunicación con ellos. ¿El éxito de esas escenas es el resultado de muchos ensayos o de la improvisación?
Cuando comenzamos el proceso de hacer esta película ensayamos mucho. Después de cada ensayo tomé y modifiqué varias escenas y muchas de las escenas que están en la película son de hecho algunas de las sesiones de los ensayos. Me gustaba la naturalidad de los ensayos y el ritmo descontracturado. Así que al finalizar tenía varias versiones de cada escena. Aunque la repetición de la misma escena puede ser frustrante para los actores, veíamos juntos el monitor e intentábamos encontrar la alegría y el punto perfecto en cada una de ellas, indagando en los detalles. Así que fue un trabajo colectivo y muy entretenido. Así fue cómo este proceso se fue alejando de la frustración para acercarse a la diversión.
Supongo que el proceso de edición fue largo y trabajoso, tomando en cuenta la naturaleza no cronológica de la historia. ¿Tenías varias versiones de la película?
De hecho en el proceso de escribir el guion también pensé en la edición. Sí tenía varias versiones del guion pero aproximadamente el 80% de la edición final fue hecha durante la escritura del guion. Fue en ese momento en el que consideré las variaciones de la historia y tomé las decisiones finales. Y el porcentaje restante fue hecho durante el proceso de filmación.
¿Cómo fue la concepción de la banda sonora original de este film?
El Director Musical quería tener un concepto amplio para comenzar. Así que este proceso también implicó una constante comunicación con él para compartir ideas. Y durante la edición final de la película fuimos escuchando la música cada momento para encontrar el lugar perfecto y las variaciones o cambios necesarios.
Este año el festival cumple 20 años. Ya nos han advertido de que no habrá grandes eventos. Sin embargo, teniendo en la memoria la edición de 2014, las expectativas son altas. Y es un alivio comprobar que el cine coreano no ha sido del todo absorbido por los valores hipercapitalistas y materialistas de la sociedad que los produce y que, de forma misteriosa sigue combinando los dos elementos que nos atrajeron desde el primer momento a mirarlo: lo exótico y lo familiar.
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